El Jazz,es uno de los ritmos musicales más famosos y querido por el público amante de la buena música. Se caracteriza por la improvisación. Pero esta improvisación no es completamente libre, sino que se parte con alguna base melódica sugerida por la obra que se está interpretando. El sonido exclusivo y admirado del jazz, se debe en gran parte, a que en él,se incluyen ritmos múltiples, al igual que las síncopas y las blue notes. Por lo mismo, es que el ritmo que se puede llegar a percibir, es de la más completa subjetividad del oyente. Dado esto, es que muchas personas hablan de que el jazz, posee un swing. Que no es más que la palabra, empleada por los auditores, para manifestar que la pieza de jazz que están escuchando tiene buen ritmo.
El Jazz es, por encima de cualquier otra cosa, improvisación, vida, expresividad, evolución constante.El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi: brota de las manos del pianista de algún bar, o en medio de los miembros de una banda de músicos que tocan por las calles de Chicago. El jazz es también la melodía que brota de un clarinete o de un saxo, que exalta la vida, y es también una oración a Dios.
miércoles
HISTORIA DEL JAZZ
El jazz es un estilo musical surgido en Nueva Orleans.Sus origenes se remontan a los cantos de los esclavos negros de las plantaciones de algodón, al blues y al gospel. La palabra jazz referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 cuando al reseñar en un periódico el tipo de música ejecutada señaló que sus integrantes hacían ragtime y jazz.
ÁRBOL GENEALÓGICO DEL JAZZ
ESPIRITUALES
Los esclavos adoptaron la religión de sus “propietarios”: el cristianismo protestante, en cuyo culto tenía un importante lugar el canto de himnos por parte de toda la comunidad. Pero los negros adaptaron estos himnos a su forma de cantar, y esto dio lugar al espiritual negro. Este estilo contiene elementos de los himnos protestantes, pero manteniendo la expresión espontánea y libre característica de la música africana: canciones europeas en lo que se refiere al lenguaje musical y a la forma, pero africanas en el estilo de canto y el modo de expresión
Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica.
Características de los espirituales:
- Los contratiempos eran marcados por palmas.
- El canto era acompañado por movimientos corporales.
- Tiene un paralelismo en la estructura entre letra y música es decir, a cada sílaba le corresponde una única nota.
- Contiene la estructura estrofa-estribillo.
- Estructuralmente era común el canto responsorial (llamada-respuesta), ya fuera en respuesta a un verso o a una estrofa cantada por el solista.
- Se ultiliza el el leit-motiv: que suele ser, un verso o una palabra (por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección y que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos.
- Son frecuentes los gritos espontáneos de los fieles, como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación.
- Los textos expresan el anhelo de libertad de un pueblo oprimido que se identifica con el pueblo de Israel esclavizado en Egipto. Suelen hablar de la búsqueda de un hogar (home) que se identifica con la libertad y es frecuente que aparezcan medios de transporte (barco, carro, tren…) que simbolizan la huida. Estos temas mantienen viva la esperanza de los esclavos, que encuentran así un consuelo en la religión.
- Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre (Oh, when the Saints). Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia, y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el cielo. La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica y la expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.ç
En el video que hay a continuación se pueden ver claramente, algunas de éstas características:
Letra:
When Israel was in Egypt's land / Cuando Israel era en la tierra de Egipto
Let my people go! /¡Deje a mi gente ir!
Oppressed so hard they could / Oprimidos con tanta fuerza, ellos no podían
not stand / estar de pie
Let my people go! / ¡Deje a mi gente ir!
Go down, Moses,/ Baje, Moisés,
way down in Egypt’s land,/ baje a la tierra de Egipto,
Tell old Pharaon /digale al viejo Faraón que
Let my people go! /¡Deje a mi gente ir!
Black Delta Religion :
Uso de síncopas que variaban los acentos y daban gran riqueza rítmica.
Características de los espirituales:
- Los contratiempos eran marcados por palmas.
- El canto era acompañado por movimientos corporales.
- Tiene un paralelismo en la estructura entre letra y música es decir, a cada sílaba le corresponde una única nota.
- Contiene la estructura estrofa-estribillo.
- Estructuralmente era común el canto responsorial (llamada-respuesta), ya fuera en respuesta a un verso o a una estrofa cantada por el solista.
- Se ultiliza el el leit-motiv: que suele ser, un verso o una palabra (por ejemplo, “Alleluia”) en forma de interjección y que aparece tanto en las estrofas como en los estribillos.
- Son frecuentes los gritos espontáneos de los fieles, como “¡Gloria!” u otras frases de ánimo o afirmación.
- Los textos expresan el anhelo de libertad de un pueblo oprimido que se identifica con el pueblo de Israel esclavizado en Egipto. Suelen hablar de la búsqueda de un hogar (home) que se identifica con la libertad y es frecuente que aparezcan medios de transporte (barco, carro, tren…) que simbolizan la huida. Estos temas mantienen viva la esperanza de los esclavos, que encuentran así un consuelo en la religión.
- Algunos espirituales eran de movimiento rápido, ritmo vivo y carácter alegre (Oh, when the Saints). Otros espirituales, sin embargo, eran lentos y conmovedores, impregnados de nostalgia, y solían reflejar la creencia de que el sufrimiento se vería recompensado en el cielo. La interpretación de éstos últimos es emotiva y melódica y la expresión pasa por una gran elasticidad rítmica.ç
En el video que hay a continuación se pueden ver claramente, algunas de éstas características:
Letra:
When Israel was in Egypt's land / Cuando Israel era en la tierra de Egipto
Let my people go! /¡Deje a mi gente ir!
Oppressed so hard they could / Oprimidos con tanta fuerza, ellos no podían
not stand / estar de pie
Let my people go! / ¡Deje a mi gente ir!
Go down, Moses,/ Baje, Moisés,
way down in Egypt’s land,/ baje a la tierra de Egipto,
Tell old Pharaon /digale al viejo Faraón que
Let my people go! /¡Deje a mi gente ir!
Black Delta Religion :
WORK SONG
Los esclavos negros trabajaban en la construcción y desempeñaban tareas agrícolas, como la recolección de algodón en las plantaciones. Para reducir las penurias de la dura faena entonaban canciones de trabajo en las que ya estaban definidas las características del denominado “sentido del ritmo negro”: sus melodías , basadas generalmente en la escala pentatónica, estaban articuladas sobre un pulso musical muy marcado, que ayuda a llevar el ritmo en el trabajo, y utilizaban también el patrón de llamada- respuesta típicamente africano.
Los cantos de trabajo desaparecen con la extinción de la esclavitud, pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la formación del jazz.
Sin embargo, todavía es posible encontrar algunos cantos de trabajo o work songs en prisiones del sur rural de los Estados Unidos que pueden darnos una idea de cómo sonarían aquellos cantos de los esclavos de las plantaciones, cómo podemos ver en los primeros minutos del video que hay a continuación.
Work Songs in a Texas prision :
Los cantos de trabajo desaparecen con la extinción de la esclavitud, pero influyen en el espiritual y el blues y contribuyen a la formación del jazz.
Sin embargo, todavía es posible encontrar algunos cantos de trabajo o work songs en prisiones del sur rural de los Estados Unidos que pueden darnos una idea de cómo sonarían aquellos cantos de los esclavos de las plantaciones, cómo podemos ver en los primeros minutos del video que hay a continuación.
Work Songs in a Texas prision :
SONIDOS AFRICANOS
“Nos enseñaron que la música es el arte de combinar bien los sonidos, algo grato para el oído. Para los africanos sin embargo, la música es el arte de cantar a la vida”
Se podría decir que los sonidos negroafricanos se basan en el sitema pentatónico.
Los ritmos van desde una simple pulsación tenua, casi impreceptible , hasta las más complejas combinaciones.
Los sonidos africanos juegan un papel fundamental en Africa, ya que es un medio de expresión que contribye a todos los momentos de la vida colectiva, ya sea para celebrar sucesos comunales, actividades laborales, para cazar, pelear, el matrimonio...
Y estos sonidos se sulen acompañar a un par de frases que se repiten constantemente, la primera cantada por el solista, y la segunda por todos los presentes.
Es acompañada por palmas irregulares, y también son expresados por bailes realizados en cuadrado, circulo o filas, acompañados por movimientos realizados con todo el cuerpo, con instrumentos de música o de guerra.
Se utilizaban sobretodo instrumentos de perscusión, cómo los encontrados en ésta página:
http://www.ikuska.com/Africa/Etnologia/instrumentos_musicales.htm
Se podría decir que los sonidos negroafricanos se basan en el sitema pentatónico.
Los ritmos van desde una simple pulsación tenua, casi impreceptible , hasta las más complejas combinaciones.
Los sonidos africanos juegan un papel fundamental en Africa, ya que es un medio de expresión que contribye a todos los momentos de la vida colectiva, ya sea para celebrar sucesos comunales, actividades laborales, para cazar, pelear, el matrimonio...
Y estos sonidos se sulen acompañar a un par de frases que se repiten constantemente, la primera cantada por el solista, y la segunda por todos los presentes.
Es acompañada por palmas irregulares, y también son expresados por bailes realizados en cuadrado, circulo o filas, acompañados por movimientos realizados con todo el cuerpo, con instrumentos de música o de guerra.
Se utilizaban sobretodo instrumentos de perscusión, cómo los encontrados en ésta página:
http://www.ikuska.com/Africa/Etnologia/instrumentos_musicales.htm
BANDAS MILITARES
Las bandas de instrumentos de metal dominaron la música en Nueva Orleáns, donde nació el jazz, la abundancia de instrumentos militares, comprados por los esclavos, proporciono los medios, la prosperidad y la creciente población de Nueva Orleáns. Las bandas tocaban en desfiles, bailes, excursiones por el río y funerales. Dedicar su música al respeto de los difuntos suponía un recuerdo de su hogar. A la exaltada ceremonia le seguía un viaje de vuelta hasta la ciudad y con temas de jazz alegres.
Las bandas militares proporcionaron nuevos instrumentos a la música africana, ya que los instrumentos fueron comprados por los esclavos, al acabar la guerra.
Éstas bandas tocaban en desfiles, bailes, excursiones por el río,o funerales en los que dedicaba la música al respeto de los difuntos ya que suponía un recuerdo de su hogar.
A la exaltada ceremónia, le seguía un viaje de vuelta a la cuidad con temas alegres.
Instrumentos de las bandas militares:
Caja,flautín, oboe, fagot, clarinete, requinto,saxofón, saxofón tenero, saxofón barítono,
saxofón bajo, fliscorno,trompa, trompeta,trombón, bombardino, tuba.
Banda Do Cavex- Bone voyage :
Las bandas militares proporcionaron nuevos instrumentos a la música africana, ya que los instrumentos fueron comprados por los esclavos, al acabar la guerra.
Éstas bandas tocaban en desfiles, bailes, excursiones por el río,o funerales en los que dedicaba la música al respeto de los difuntos ya que suponía un recuerdo de su hogar.
A la exaltada ceremónia, le seguía un viaje de vuelta a la cuidad con temas alegres.
Instrumentos de las bandas militares:
Caja,flautín, oboe, fagot, clarinete, requinto,saxofón, saxofón tenero, saxofón barítono,
saxofón bajo, fliscorno,trompa, trompeta,trombón, bombardino, tuba.
Banda Do Cavex- Bone voyage :
GOSPEL
La música Gospel, a diferencia de los himnos cristianos, son de carácter ligero en cuanto a música. La palabra original es GodSpell que en castellano se traduce como «Dios anuncia». A esta forma de cantar se le denominó así ya que era un canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen reflejar los valores de la vida cristiana.
Es la continuación de los cantos espirituales.
Géneros:
El gospel tradicional es aquel que básicamente se ha dado en Estados Unidos y que normalmente lo interpreta un coro, que puede tener uno o varios solistas y generalmente son coros a capella. Prevalecen los temas tradicionales frente al nuevo material musical.
Gospel Negro:
Consiste en un canto espiritual, con ritmos africanos. Los coros son bastante numerosos, las líricas se acompañan de palmas y un movimiento ritmico por parte de los coristas.
Southern Gospel:
Así se conoce a la forma musical que utiliza el esquema de cuarteto vocal:Contratenor" Contratenor Primer Tenor Segundo Tenor Barítono Bajo. El énfasis de este sonido se asienta en el aspecto armónico y vocal de su interpretación y en el acompañamiento como un elemento secundario basado en solos de piano o guitarra. En la actualidad los grupos y cuartetos Southern Gospel emplean pequeñas bandas, orquestas y coros, así como bases instrumentales pregrabadas para el acompañamiento de sus canciones. El término Southern(sureño) enfatiza el origen del subgénero en los estados del sur de Estados Unidos, muy relacionado con otras formas propias del mismo ámbito geográfico, tales como el Hillbilly y el Bluegrass.
Gospel Choir:
Es un gospel que rompe los esquemas más conservadores del género mezclando con energía la tradición con otros estilos, como el funk y el Blues.Son casi en su totalidad grabaciones en las que sobresale la recitación de los textos religiosos acompañado de un hilo musical, o sin él. Las partes cantadas o las a pariciones de coros son escasas. Suele estar interpretado por predicadores, de los que han destacado:J.M. Gates, Moses Mason y otros.
Gospel contemporáneo:
El gospel contemporáneo es considerado una evolución del gospel tradicional de las iglesias negras evangélicas de estados unidos, ahora con baterías mas estridentes, guitarras eléctricas y muchas veces con danzas y coreografías que no tienen nada que envidiarle a grandes espectáculos. La puesta en escena (decorados e iluminación) cobran un papel más importante.
Whitney Houston and Shirley Caesar :
Es la continuación de los cantos espirituales.
Géneros:
El gospel tradicional es aquel que básicamente se ha dado en Estados Unidos y que normalmente lo interpreta un coro, que puede tener uno o varios solistas y generalmente son coros a capella. Prevalecen los temas tradicionales frente al nuevo material musical.
Gospel Negro:
Consiste en un canto espiritual, con ritmos africanos. Los coros son bastante numerosos, las líricas se acompañan de palmas y un movimiento ritmico por parte de los coristas.
Southern Gospel:
Así se conoce a la forma musical que utiliza el esquema de cuarteto vocal:Contratenor" Contratenor Primer Tenor Segundo Tenor Barítono Bajo. El énfasis de este sonido se asienta en el aspecto armónico y vocal de su interpretación y en el acompañamiento como un elemento secundario basado en solos de piano o guitarra. En la actualidad los grupos y cuartetos Southern Gospel emplean pequeñas bandas, orquestas y coros, así como bases instrumentales pregrabadas para el acompañamiento de sus canciones. El término Southern(sureño) enfatiza el origen del subgénero en los estados del sur de Estados Unidos, muy relacionado con otras formas propias del mismo ámbito geográfico, tales como el Hillbilly y el Bluegrass.
Gospel Choir:
Es un gospel que rompe los esquemas más conservadores del género mezclando con energía la tradición con otros estilos, como el funk y el Blues.Son casi en su totalidad grabaciones en las que sobresale la recitación de los textos religiosos acompañado de un hilo musical, o sin él. Las partes cantadas o las a pariciones de coros son escasas. Suele estar interpretado por predicadores, de los que han destacado:J.M. Gates, Moses Mason y otros.
Gospel contemporáneo:
El gospel contemporáneo es considerado una evolución del gospel tradicional de las iglesias negras evangélicas de estados unidos, ahora con baterías mas estridentes, guitarras eléctricas y muchas veces con danzas y coreografías que no tienen nada que envidiarle a grandes espectáculos. La puesta en escena (decorados e iluminación) cobran un papel más importante.
Whitney Houston and Shirley Caesar :
RAGTIME
Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el Ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas.Los rags era una música de procedencia europea.
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, de New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones.
Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo representante entre la evolución del ragtime al jazz.
Ragtime piano duet :
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, de New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones.
Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo representante entre la evolución del ragtime al jazz.
Ragtime piano duet :
BLUES
El Blues es un tipo de canción afroamericana que surgió en la segunda mitad del siglo XIX de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado origen a los cantos de trabajo y a los espirituales. Como éstos, el blues cantaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía de una forma muy personal. Los blues eran canciones de lamento e ironía que hablaban del duro trabajo, de las creencias religiosas o de los desengaños amorosos.
Los bluesmen expresaban su estado de ánimo con melodías y letras sencillas teñidas de un sentimiento de melancolía y tristeza.
En su forma primitiva eran muy simples, interpretados por un solo cantante acompañado generalmente por una guitarra o un banjo, a los que se sumaba en ocasiones una armónica. Estos cantantes ambulantes recorrían las zonas rurales del Sur de Estados Unidos cantando la vida y los sucesos cotidianos con palabras simples y poéticas, pero siempre accesibles al público al que se dirigen (blues rural) que luego se convertirá en blues urbano.
La rueda del blues:
El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música,
y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de doce compases.
Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”, un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten a lo largo de la canción.
Acordes:
Escala de blues:
El blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”, que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados, generalmente el tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.
Los bluesmen expresaban su estado de ánimo con melodías y letras sencillas teñidas de un sentimiento de melancolía y tristeza.
En su forma primitiva eran muy simples, interpretados por un solo cantante acompañado generalmente por una guitarra o un banjo, a los que se sumaba en ocasiones una armónica. Estos cantantes ambulantes recorrían las zonas rurales del Sur de Estados Unidos cantando la vida y los sucesos cotidianos con palabras simples y poéticas, pero siempre accesibles al público al que se dirigen (blues rural) que luego se convertirá en blues urbano.
La rueda del blues:
El blues, en gran medida, fue creado por gente que no sabía música,
y por tanto, era una música aprendida de oído e improvisada. Para facilitar la improvisación, tanto de versos como de música, se desarrollan una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de doce compases.
Musicalmente el blues se caracteriza por lo que se conoce como “rueda de acordes del blues”, un ostinato armónico formado por una serie de acordes encadenados que se repiten a lo largo de la canción.
Acordes:
Escala de blues:
El blues produce a menudo un efecto de melancolía, lo que se debe a que muchas de sus melodías se basan en la llamada “escala del blues”, que consiste en una versión de la escala mayor diatónica, en la que algunos grados, generalmente el tercero y el séptimo se tocan o se cantan un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.
BOOWIE WOOGIE
El Boogie-Woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la mano izquierda de determinadas figuras. Esta figuras que construye la mano izquierda están escritas en corcheas, en compases de 4/4, constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se empleaban dos tipos de figuras: la denominada "octava galopante" (inspiradora de los "bajos galopantes" o walking bass que caracterizarán después el rock and roll), así como los acordes rápidos conocidos como rocks.
A diferencia del ragtime , el boogie-woogie no sufrió nunca la influencia del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo en el sur de Estados unidos, hacia finales del siglo XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste tuvo lugar en la zona del delta del Río Misisipi o en Texas, en los bares conocidos como barrelhouses (denominación con la que también se conoció el nuevo estilo), en donde los pianistas que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental del Blues con el objetivo de hacerlo bailable.
Boowie Woogie piano :
A diferencia del ragtime , el boogie-woogie no sufrió nunca la influencia del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo en el sur de Estados unidos, hacia finales del siglo XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste tuvo lugar en la zona del delta del Río Misisipi o en Texas, en los bares conocidos como barrelhouses (denominación con la que también se conoció el nuevo estilo), en donde los pianistas que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental del Blues con el objetivo de hacerlo bailable.
Boowie Woogie piano :
STRIDE
Es un subgénero del boogie-woogie,
Stride en ingles, significa literalmente "zancada".
En el piano cuando se marca una permanente alternancia de bajos en los tiempos bajos, la mano izquierda del pianista parece estar dando saltos (o zancadas ) sobre toda la zona de graves del teclado.
Putting on the ritz- Solo stride piano :
Stride en ingles, significa literalmente "zancada".
En el piano cuando se marca una permanente alternancia de bajos en los tiempos bajos, la mano izquierda del pianista parece estar dando saltos (o zancadas ) sobre toda la zona de graves del teclado.
Putting on the ritz- Solo stride piano :
FOLK BLUES
El Folk Blues se dio entre 1920 y 1930 con las formas musicales que han pasado a la historia de la música popular americana. Y estos tres principales estilos se podían resumir en el blues del Delta, el Piedmont y el blues de Texas, con una referencia a las “jug bands” con una importancia especial en Memphis. Lo que más le gustaba al intérprete de blues era ser libre y poder viajar de acá para allá, como un “hobo”, es decir, vagabundeando y viviendo de su música en época de vacas gordas y trabajando temporalmente cuando las cosas no pintaban bien. La gran mayoría de los blues singers de la primera época eran prácticamente analfabetos y un porcentaje elevado de las canciones que interpretaban eran tradicionales y se las habían aprendido de memoria. En el caso del blues de Mississippi y Texas era común el martilleo de las teclas del piano y las cuerdas de la guitarra junto con el uso de un tubo de cristal o metal, una navaja..
Delta blues:
Cuando se habla de blues rural, automáticamente casi todo el mundo piensa en el blues del delta del Mississippi. Ha sido además el estilo de blues más escuchado por los grandes artistas blancos del rock & roll y el que más les influenció. Este estilo se puede situar geográficamente en los alrededores de Clarksdale, de donde eran originarios Charley Patton y más tarde Muddy Waters. Y fue el primero a quien se le puede considerar el músico que forjó este estilo, para algunos el fundador del blues del Delta. Otros grandes fueron Son House, Skip James (uno de los pocos con estudios y que además tocaba el piano), Tommy Johnson, Bukka White o Robert Johnson cuya leyenda y música ha superado a la de los demás y quizás solamente por haber sido descubierto por los músicos blancos del rock a pesar de su reconocida valía musical y compositora. El blues del profundo sur, del delta del Mississippi, se expresaba con total desnudez, cada nota sale del alma y el canto es apasionado y áspero. Los ritmos son enérgicos, se tocan pocas notas y la guitarra repite insistentement
Blues de texas:
El estilo tejano se asemeja bastante al de Mississippi aunque hay unas pequeñas diferencias tanto en la forma de cantar, menos descarnado, menos desapacible, como en la interpretación, ya que su música tiende a aproximarse más al patrón de las tres frases y la estructura de los doce compases. Algunos guitarristas utilizaban un bajo continuo, potente, repitiendo un único acorde o volviéndose muy suave tras el canto y volver a comenzar de nuevo in crescendo. La primera estrella del folk blues fue el tejano Blind Lemon Jefferson, sin que nos podamos olvidar de Blind Willie Johnson.
Piedmont:
También conocido como el blues de los Apalaches, la cadena montañosa del Este paralela a la costa atlántica y que aisla las Carolinas, Virginia, Georgia y parte de Tennessee. Los artistas del Piedmont estaban más en la tradición del songster, que interpretaba una mayor variedad de músicas populares, siendo este blues más desenfadado que el del Delta con una fuerte influencia del ragtime. Y su principal caraterística es el método del “fingerpicking” al tocar la guitarra.
Jugbands:
Es importante recordarlas ya que utilizaban una gran variedad de instrumentos construídos por ellos mismos como peines, jarras, tablas de lavar y kazoos junto con armónicas, banjos, violines, guitarras o mandolinas. Su música era en general muy alegre en contraposición al estilo más profundo del Delta blues. Memphis parece ser que fue la cuna de las jug bands y con una importante peculiaridad ya que era una ciudad de confluencia y paso hacia el norte, tanto para los provenientes de Mississippi como para los emigrantes del Este de los Apalaches. La banda más famosa de jarra fue la Memphis Jug Band.
John Lee Hoocker- Hobo Blues :
Delta blues:
Cuando se habla de blues rural, automáticamente casi todo el mundo piensa en el blues del delta del Mississippi. Ha sido además el estilo de blues más escuchado por los grandes artistas blancos del rock & roll y el que más les influenció. Este estilo se puede situar geográficamente en los alrededores de Clarksdale, de donde eran originarios Charley Patton y más tarde Muddy Waters. Y fue el primero a quien se le puede considerar el músico que forjó este estilo, para algunos el fundador del blues del Delta. Otros grandes fueron Son House, Skip James (uno de los pocos con estudios y que además tocaba el piano), Tommy Johnson, Bukka White o Robert Johnson cuya leyenda y música ha superado a la de los demás y quizás solamente por haber sido descubierto por los músicos blancos del rock a pesar de su reconocida valía musical y compositora. El blues del profundo sur, del delta del Mississippi, se expresaba con total desnudez, cada nota sale del alma y el canto es apasionado y áspero. Los ritmos son enérgicos, se tocan pocas notas y la guitarra repite insistentement
Blues de texas:
El estilo tejano se asemeja bastante al de Mississippi aunque hay unas pequeñas diferencias tanto en la forma de cantar, menos descarnado, menos desapacible, como en la interpretación, ya que su música tiende a aproximarse más al patrón de las tres frases y la estructura de los doce compases. Algunos guitarristas utilizaban un bajo continuo, potente, repitiendo un único acorde o volviéndose muy suave tras el canto y volver a comenzar de nuevo in crescendo. La primera estrella del folk blues fue el tejano Blind Lemon Jefferson, sin que nos podamos olvidar de Blind Willie Johnson.
Piedmont:
También conocido como el blues de los Apalaches, la cadena montañosa del Este paralela a la costa atlántica y que aisla las Carolinas, Virginia, Georgia y parte de Tennessee. Los artistas del Piedmont estaban más en la tradición del songster, que interpretaba una mayor variedad de músicas populares, siendo este blues más desenfadado que el del Delta con una fuerte influencia del ragtime. Y su principal caraterística es el método del “fingerpicking” al tocar la guitarra.
Jugbands:
Es importante recordarlas ya que utilizaban una gran variedad de instrumentos construídos por ellos mismos como peines, jarras, tablas de lavar y kazoos junto con armónicas, banjos, violines, guitarras o mandolinas. Su música era en general muy alegre en contraposición al estilo más profundo del Delta blues. Memphis parece ser que fue la cuna de las jug bands y con una importante peculiaridad ya que era una ciudad de confluencia y paso hacia el norte, tanto para los provenientes de Mississippi como para los emigrantes del Este de los Apalaches. La banda más famosa de jarra fue la Memphis Jug Band.
John Lee Hoocker- Hobo Blues :
RIVER BOAT
Riverboat era el nombre que se aplicaba a los barcos de rueda, que hacían el recorrido entre Saint Louis y Nueva Orleans, a través del río Mississipi, en ambos sentidos, pasando por Memphis.
Estos barcos tuvieron gran importancia en el desarrollo del jazz tradicional, por ser uno de los lugares típicos de actuaciones de las bandas pioneras. La mayor parte de estos barcos eran propiedad de la familia Strekfus, que comprendieron rápidamente las posibilidades comerciales del recién nacido jazz, e incluyeron de forma inmediata a grupos de jazz entre sus actuaciones.
BLUES URBANO
El blues rural se transforma en blues urbano, que tiene un tempo normalmente más lento y trata temas más amplios, abarcando los múltiples problemas que conlleva la explosión demográfica de los grandes centros (alcohol, miseria, marginación…). Los bluesmen urbanos empezaron a utilizar instrumentos eléctricos y se crearon grupos con batería, bajo, piano, guitarra eléctrica y, ocasionalmente, armónica o saxo, consolidando así la formación estándar del blues. Estas bandas, de estilo intenso y provocador, tocaban en clubes y locales nocturnos, donde gracias a la amplificación era posible escucharlos, entre la no siempre silenciosa audiencia.
Blues Urbano- Um lugar pra recomeçar :
Blues Urbano- Um lugar pra recomeçar :
SOUL
El Soul es un género musical surgido en los Estados Unidos, que proviene de la combinación de estilos y subestilos anteriores, como el gospel y el primerizo R&B de los años cincuenta del siglo XX.
Soul es un término difícil de definir, pero nada difícil es saber que simboliza la revaloración de la identidad negra y de su cultura.
El Soul que es predominantemente vocal, introduce la técnica del llamado-respuesta entre el cantante y el coro, resultó más apto que ningun otro género musical para estimular la nueva conciencia negra, mientras los blues estaban basados en la experiencia del fracaso, el soul afirmaba el ideal de cómo debían ser las cosas.El Soul liberó al negro de muchos de sus complejos, tanto políticos como sociales, de gusto y sexuales. La indumentaria del artista y su comportamiento en escena cambian completamente: se introduce la moda afro y un ritmo desenfrenado, pero todo arreglado al detalle y con un máximo de disciplina, para convencerse basta haber visto una sola vez a los Temptations.Las metáforas sexuales escondidas en el blues se hacen evidentes en el soul.La evolución de la música marcha paralela con la lucha por los derechos civiles y la autodeterminación. En esta mundo rico, variado y lleno de emotividad reinan las voces hechiceras de James Brown, Marvin Gaye, Aretha Franklin y demas magos de la música negra norteamericana.
Entre los artistas más populares están Los Jackson Five, Nina Simon y Tina Turner.
Dancing Machine- Jackson Five :
I Feel good- James Brown
Soul es un término difícil de definir, pero nada difícil es saber que simboliza la revaloración de la identidad negra y de su cultura.
El Soul que es predominantemente vocal, introduce la técnica del llamado-respuesta entre el cantante y el coro, resultó más apto que ningun otro género musical para estimular la nueva conciencia negra, mientras los blues estaban basados en la experiencia del fracaso, el soul afirmaba el ideal de cómo debían ser las cosas.El Soul liberó al negro de muchos de sus complejos, tanto políticos como sociales, de gusto y sexuales. La indumentaria del artista y su comportamiento en escena cambian completamente: se introduce la moda afro y un ritmo desenfrenado, pero todo arreglado al detalle y con un máximo de disciplina, para convencerse basta haber visto una sola vez a los Temptations.Las metáforas sexuales escondidas en el blues se hacen evidentes en el soul.La evolución de la música marcha paralela con la lucha por los derechos civiles y la autodeterminación. En esta mundo rico, variado y lleno de emotividad reinan las voces hechiceras de James Brown, Marvin Gaye, Aretha Franklin y demas magos de la música negra norteamericana.
Entre los artistas más populares están Los Jackson Five, Nina Simon y Tina Turner.
Dancing Machine- Jackson Five :
I Feel good- James Brown
FUNKY
El funky es un tipo de música que surgió en las décadas de 1960-1970 en la costa oeste de EE. UU. de la mano de James Brown, el padrino del soul, e influenciado por los ritmos de soul y rythm and blues de la época. La música se caracteriza por la rica utilización de bajos y percusiones, y los movimientos básicos del mismo ritmo parten de los brazos, las muñecas y los dedos.
Este estilo musical influenció más tarde en el nuevo movimiento hip hop, tanto en su música como en la forma del movimiento.
Petters orkester- Mr. Sippi :
Este estilo musical influenció más tarde en el nuevo movimiento hip hop, tanto en su música como en la forma del movimiento.
Petters orkester- Mr. Sippi :
ARCAICO
No todo el jazz de los años 20 puede describirse como Nueva Orleans o Dixieland. La década de los años 20 fue musicalmente muy rica, con las bandas de baile influenciadas por el jazz y un gradual énfasis en los solos, al contrario de las improvisaciones colectivas de los estilos anteriores. Gran parte de la música de los 20 se puede describir como Jazz Clásico, precursor del Swing. (Louis Armstrong, Bix Beiderbecke, Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Bessie Smith).
NUEVA ORLEANS
Siempre se ha dicho que el jazz parte de Nueva Orleans.Esto es debido a que muchísimos de los estilos regionales que contribuyeron al desarrollo inicial del jazz se unieron en un movimiento musical al que comúnmente se denominó jazz en el área de Nueva Orleans ,Luisiana.
Nueva Orleans y sus áreas circundantes siempre han sido un centro de música regional.Gente de diferentes naciones de África ,Europa y Latinoamérica contribuyeron a su rico patrimonio musical.
Durante la época de las colonias,en las colonias británicas estaban mal vistos los cantos de los esclavos pues la música africana era vista como pagana,entonces era suprimida,mientras que en las colonias españolas y francesas,tenían más libertad de expresión ,por eso en Louisiana era aceptada.
Por lo tanto, celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos interesados, y algunas de sus melodías y ritmos fueron usados en las composiciones del compositor Louis Moreau Gottschalk. Además de la población esclava, Nueva Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones de folk
Llas figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en tomar el blues y arreglarlo para instrumentos de metal.
La banda de Bolden tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.
Buddy Bolden :
Nueva Orleans y sus áreas circundantes siempre han sido un centro de música regional.Gente de diferentes naciones de África ,Europa y Latinoamérica contribuyeron a su rico patrimonio musical.
Durante la época de las colonias,en las colonias británicas estaban mal vistos los cantos de los esclavos pues la música africana era vista como pagana,entonces era suprimida,mientras que en las colonias españolas y francesas,tenían más libertad de expresión ,por eso en Louisiana era aceptada.
Por lo tanto, celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos interesados, y algunas de sus melodías y ritmos fueron usados en las composiciones del compositor Louis Moreau Gottschalk. Además de la población esclava, Nueva Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones de folk
Llas figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en tomar el blues y arreglarlo para instrumentos de metal.
La banda de Bolden tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.
Buddy Bolden :
KANSAS CITY
Es un estilo de jazz que se desarrolló en Kansas City, Missouri y los alrededores de Kansas City Área Metropolitana durante los años 1930 y marcó la transición de la estructura de big band al estilo de la improvisación musical de estilo Bebop . "Mientras Nueva Orleans fue la cuna del jazz, la música Latina creció en Kansas City ".
El fuerte vaivén, blues estilo de transición se encuentra entre corchetes por Count Basie , que en 1929 firmó con los Kansas City de Bennie Moten Orquesta y Kansas City nativos Charlie Parker que iba a inaugurar en el estilo Bebop en la década de 1940.
Kansas City es conocido como uno de los más populares "cuna del jazz". Otras ciudades, incluyendo Nueva Orleans, Chicago , San Louis y la ciudad de Nueva York .
En la década de 1930 fue en gran medida la encrucijada de los Estados Unidos que resulta en una mezcla de culturas. Transcontinental viajes en el tiempo ya sea por avión o en tren requiere a menudo una parada en la ciudad.
La mayoría de los músicos de jazz asociados con el estilo nacieron en otros lugares, pero se enredó en las competiciones amistosas entre los artistas intérpretes o ejecutantes musicales que podría mantener una sola canción que se realizan en diversas variaciones durante toda una noche.
A menudo los miembros de las grandes bandas se realizan en lugares regulares temprano por la noche e ir a los clubes de jazz más tarde para tocar por el resto de la noche.
Sus principales características son:
- La preferencia por un ritmo 4 / 4 en los 2 / 4 superarme en otros estilos de jazz de la época. Como resultado, el jazz de Kansas City había un ambiente más relajado, el sonido fluido que otros estilos de jazz.
- Extendido solos. El único estilo en el que el objetivo es "decir algo" con su instrumento, en lugar de simplemente mostrar la propia técnica.
- Los llamados "acuerdos de cabeza". Las bandas grandes KC desempeñado a menudo por la memoria, componer y arreglar la música, en conjunto, en lugar de lectura a primera vista-como otras grandes bandas de la época hicieron. Esto contribuyó aún más al sonido suelta, espontánea de Kansas City.
- Una influencia heavy blues, con canciones KC basan a menudo en torno a una estructura de 12-bar blues, en lugar de los 8-jazz bar.
- Una de las características más reconocibles de Kansas City Jazz es frecuente, riffs elaborados por las diferentes secciones. Riffs fueron creados a menudo - o incluso improvisadas - colectivamente, y tomó muchas formas.
- En la década de 1970, la ciudad trató de crear un enclave de jazz en el Río de muelle en el río Missouri en el barrio de City Market. Tres de los clubes fueron bombardeados durante la guerra de turba que en última instancia, también condujo a la desaparición de la influencia de multitud de casinos de Las Vegas, que fue representado en la película Casino.
- En 1981 , 114 personas murieron en el colapso de pasarela Hyatt Regency en un intento de recreación de la escena del jazz durante un baile de té .
-En 1996 la ciudad de Kansas natal Robert Altman estrenó la película Kansas City que representa la ciudad del jazz era de Kansas.
-En 1997, el American Jazz Museo abrió sus puertas en el Barrio de la Viña y el décimo octavo con la misión de celebrar la ciudad del jazz en el patrimonio de Kansas.
Cada año la ciudad de Kansas celebra "Jazzoo" - una organización benéfica dedicada a recaudar fondos de jazz de Kansas City y la recaudación de fondos.
Kansas City Jazz Jam Session:
El fuerte vaivén, blues estilo de transición se encuentra entre corchetes por Count Basie , que en 1929 firmó con los Kansas City de Bennie Moten Orquesta y Kansas City nativos Charlie Parker que iba a inaugurar en el estilo Bebop en la década de 1940.
Kansas City es conocido como uno de los más populares "cuna del jazz". Otras ciudades, incluyendo Nueva Orleans, Chicago , San Louis y la ciudad de Nueva York .
En la década de 1930 fue en gran medida la encrucijada de los Estados Unidos que resulta en una mezcla de culturas. Transcontinental viajes en el tiempo ya sea por avión o en tren requiere a menudo una parada en la ciudad.
La mayoría de los músicos de jazz asociados con el estilo nacieron en otros lugares, pero se enredó en las competiciones amistosas entre los artistas intérpretes o ejecutantes musicales que podría mantener una sola canción que se realizan en diversas variaciones durante toda una noche.
A menudo los miembros de las grandes bandas se realizan en lugares regulares temprano por la noche e ir a los clubes de jazz más tarde para tocar por el resto de la noche.
Sus principales características son:
- La preferencia por un ritmo 4 / 4 en los 2 / 4 superarme en otros estilos de jazz de la época. Como resultado, el jazz de Kansas City había un ambiente más relajado, el sonido fluido que otros estilos de jazz.
- Extendido solos. El único estilo en el que el objetivo es "decir algo" con su instrumento, en lugar de simplemente mostrar la propia técnica.
- Los llamados "acuerdos de cabeza". Las bandas grandes KC desempeñado a menudo por la memoria, componer y arreglar la música, en conjunto, en lugar de lectura a primera vista-como otras grandes bandas de la época hicieron. Esto contribuyó aún más al sonido suelta, espontánea de Kansas City.
- Una influencia heavy blues, con canciones KC basan a menudo en torno a una estructura de 12-bar blues, en lugar de los 8-jazz bar.
- Una de las características más reconocibles de Kansas City Jazz es frecuente, riffs elaborados por las diferentes secciones. Riffs fueron creados a menudo - o incluso improvisadas - colectivamente, y tomó muchas formas.
- En la década de 1970, la ciudad trató de crear un enclave de jazz en el Río de muelle en el río Missouri en el barrio de City Market. Tres de los clubes fueron bombardeados durante la guerra de turba que en última instancia, también condujo a la desaparición de la influencia de multitud de casinos de Las Vegas, que fue representado en la película Casino.
- En 1981 , 114 personas murieron en el colapso de pasarela Hyatt Regency en un intento de recreación de la escena del jazz durante un baile de té .
-En 1996 la ciudad de Kansas natal Robert Altman estrenó la película Kansas City que representa la ciudad del jazz era de Kansas.
-En 1997, el American Jazz Museo abrió sus puertas en el Barrio de la Viña y el décimo octavo con la misión de celebrar la ciudad del jazz en el patrimonio de Kansas.
Cada año la ciudad de Kansas celebra "Jazzoo" - una organización benéfica dedicada a recaudar fondos de jazz de Kansas City y la recaudación de fondos.
Kansas City Jazz Jam Session:
DIXIELAND
En este estilo de jazz-hot, los más utilizados son los instrumentos metálicos,como son la trompeta, el trombón y el clarinete.
El Dixieland es tocado en la calle, normalmente en celebraciones. Y el tailgate es una de las técnicas desarolladas instrumentalmente por los trombonistas.
Surgió como contraposición al jazz de los negros, limitado en principio a la simple imitación de aquellos sonidos del sur, el dixieland empezó a tomar cuerpo alrededor de un par de músicos fanáticos de los sonidos de New Orleáns y de la trompeta de Bix Beiderbecke: Eddie Condon y Bud Freeman.
En la década de los cuarenta el dixieland, ya adulto, adquirió en New York gran popularidad. Sus solistas fueron celebres personajes y algunos como Jack Teagarden, miembro durante mucho tiempo de los famosos "All Stars" de Louis Armstrong, se convirtieron en verdaderos ídolos.
Dixieland Dr. Jazz :
El Dixieland es tocado en la calle, normalmente en celebraciones. Y el tailgate es una de las técnicas desarolladas instrumentalmente por los trombonistas.
Surgió como contraposición al jazz de los negros, limitado en principio a la simple imitación de aquellos sonidos del sur, el dixieland empezó a tomar cuerpo alrededor de un par de músicos fanáticos de los sonidos de New Orleáns y de la trompeta de Bix Beiderbecke: Eddie Condon y Bud Freeman.
En la década de los cuarenta el dixieland, ya adulto, adquirió en New York gran popularidad. Sus solistas fueron celebres personajes y algunos como Jack Teagarden, miembro durante mucho tiempo de los famosos "All Stars" de Louis Armstrong, se convirtieron en verdaderos ídolos.
Dixieland Dr. Jazz :
CHICAGO
Chicago se convirtió en el punto focal para el jazz en la década de 1920 cuando músicos de Nueva Orleans encontraron su camino hacia el norte después de clubes en el área de Storyville de Nueva Orleans estaban cerradas. Jazz comenzó a ganar más amplia anuncio tal y como las grabaciones hechas en la Ciudad de los Vientos vendidos en toda América. Chicago era un imán para los músicos en el medio oeste. Músicos famosos que han recibido elogios por su trabajo en Chicago fueron Earl Hines, Johnny Dodds, Louis Armstrong y King Oliver.
Chicago Jazz:
Chicago Jazz:
ORIGINAL DIXIELAND JAZZ BAND
La "Original Dixieland Jazz Band", fue una formación originaria de New Orleáns históricamente muy importante para la evolución del jazz.Sus grabaciones las primeras grabaciones oficiales del jazz en el año 1917.
El quinteto lo integraban el clariente Larry Shields, el corneta Nick La Rocca, el tombrón Eddie Edwards, el pianista Henry Ragas y el batería Tony Sbarbaro. Todos ellos habían actuado ya de forma conjunta en diversas bandas de Nueva Orleans, desde 1905 , pero el grupo surge en Chicago a iniciativa del propietario de un club local, que los llevó desde el sur y los hizo debutar bajo el nombre de "Stein's Dixie Jazz Band". Tras una disputa con éste por temas económicos, se trasladaron a Nueva York ,ya con el nombre de Original Dixieland Jass Band, aunque un anuncio de una actuación en el New York Times, ya en 1917, convirtió definitivamente el Jass en Jazz. Hoy en día, se conocen por sus siglas, ODJB.
Se estructuró fundamentalmente sobre los cánones del New Orleáns progresivo.
Su repertorio básico creado por los propios componentes del grupo, incluía temas de ragtime y de blues.
Fue el principio del fin y la histórica New Orleáns Jazz Band, un quinteto blanco creado en contraposición a la música que hacían los negros de New Orleáns, se perdió para siempre con sus músicos peleando por ostentar la titularidad de las siglas.
Original Dixieland Jazz Band-Tiger Rag:
El quinteto lo integraban el clariente Larry Shields, el corneta Nick La Rocca, el tombrón Eddie Edwards, el pianista Henry Ragas y el batería Tony Sbarbaro. Todos ellos habían actuado ya de forma conjunta en diversas bandas de Nueva Orleans, desde 1905 , pero el grupo surge en Chicago a iniciativa del propietario de un club local, que los llevó desde el sur y los hizo debutar bajo el nombre de "Stein's Dixie Jazz Band". Tras una disputa con éste por temas económicos, se trasladaron a Nueva York ,ya con el nombre de Original Dixieland Jass Band, aunque un anuncio de una actuación en el New York Times, ya en 1917, convirtió definitivamente el Jass en Jazz. Hoy en día, se conocen por sus siglas, ODJB.
Se estructuró fundamentalmente sobre los cánones del New Orleáns progresivo.
Su repertorio básico creado por los propios componentes del grupo, incluía temas de ragtime y de blues.
Fue el principio del fin y la histórica New Orleáns Jazz Band, un quinteto blanco creado en contraposición a la música que hacían los negros de New Orleáns, se perdió para siempre con sus músicos peleando por ostentar la titularidad de las siglas.
Original Dixieland Jazz Band-Tiger Rag:
SWING
Es un estilo que aporto al jazz varias innovaciones(incremento de miembros en las bandas de hot,polirritmia,sustituye el concepto polifónico por una armonización vertical,establece una estructura invariable de piezas,utiliza como recurso de tensión el Rift que es una frase corta repetida varias veces con crescendo final y consolida la utilización de los registros altos de los instrumentos) debido a que fue influido por la música Europea.
Se basa en la tradición hot, por la forma con la que toca el instrumento e improvisa con un ritmo fluido.
Se suele tocar en las orquestas. Se llama también Swing, al baile asociado al estilo jazzístico.
Django Reinhardt- Minor Swing:
Se basa en la tradición hot, por la forma con la que toca el instrumento e improvisa con un ritmo fluido.
Se suele tocar en las orquestas. Se llama también Swing, al baile asociado al estilo jazzístico.
Django Reinhardt- Minor Swing:
MAINSTREAM
La corriente principal del jazz o "Mainstrean" define en el sentido genealógico de la palabra, las grabaciones y los músicos determinantes en la historia del jazz y que conforman una estirpe de continuidad desde principios del siglo XX hasta nuestros días.
es un género de música de jazz que se utilizó por primera vez en referencia a los estilos de juego alrededor de la década de 1950 de músicos como Buck Clayton, entre otros; artistas que una vez anunciada de la era de la música swing gran banda de quien no abandonó del oscilación para el bebop, el lugar ejecución de la música en conjuntos más pequeños. El medio una vez que quedó latente durante los años 1960, pero recuperó popularidad en los años 70.
Freddie Hubbard & Art Blakey- Moanin:
es un género de música de jazz que se utilizó por primera vez en referencia a los estilos de juego alrededor de la década de 1950 de músicos como Buck Clayton, entre otros; artistas que una vez anunciada de la era de la música swing gran banda de quien no abandonó del oscilación para el bebop, el lugar ejecución de la música en conjuntos más pequeños. El medio una vez que quedó latente durante los años 1960, pero recuperó popularidad en los años 70.
Freddie Hubbard & Art Blakey- Moanin:
BEBOP
Al llegar a los años 40, el jazz se encontraba musicalmente en un callejón sin salida. Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big bands), y empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales.
Al llegar los años 40,el jazz se encuentra musicalmente en un callejón sin salida.Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big Bands),y empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales.
Con lo cual,los músicos de diferentes grupos comenzaron a tocabar juntos compartiendo entre ellos sus diferentes conocimientos de música y lenguaje. Esto hacía que fueran creativos, y que este estilo evolucionara rápidamente.
Así pues, estos buscadores del nuevo sonido bautizado como "bebop" o "bop" entre los que se encontraban Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Christian, Bud Powell o Kenny Clarke entre otros consiguieron realizar una revolución melódica, armónica y rítmica y lo más importante, que no estuviera exento de swing. Alguien, alguna vez pregunto a Charlie Parker, que significaba la palabra "bebop". Charlie, tan sarcástico como siempre, contestó que se les había ocurrido porque aquella palabra sonaba igual que la porra de un policía en el cráneo de un negro. Cierto o no, lo seguro es que el sonido inventado por el tandem Parker-Gillespie puso las base de todo el jazz moderno.
Dizzy Gillespie-Bebop:
Al llegar los años 40,el jazz se encuentra musicalmente en un callejón sin salida.Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big Bands),y empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales.
Con lo cual,los músicos de diferentes grupos comenzaron a tocabar juntos compartiendo entre ellos sus diferentes conocimientos de música y lenguaje. Esto hacía que fueran creativos, y que este estilo evolucionara rápidamente.
Así pues, estos buscadores del nuevo sonido bautizado como "bebop" o "bop" entre los que se encontraban Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Charlie Christian, Bud Powell o Kenny Clarke entre otros consiguieron realizar una revolución melódica, armónica y rítmica y lo más importante, que no estuviera exento de swing. Alguien, alguna vez pregunto a Charlie Parker, que significaba la palabra "bebop". Charlie, tan sarcástico como siempre, contestó que se les había ocurrido porque aquella palabra sonaba igual que la porra de un policía en el cráneo de un negro. Cierto o no, lo seguro es que el sonido inventado por el tandem Parker-Gillespie puso las base de todo el jazz moderno.
Dizzy Gillespie-Bebop:
JAZZ AFROCUBANO
Es una rama del jazz que se nutre los ritmos africanos y caribeños. El jazz latino se originó a finales de los años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música afro-cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubans, con instrumentos de jazz.
Se caracteriza por ritmos sincopados,ritmos bailables,una gran fiereza e infecciosos.
En comparación con el jazz americano, el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.
Panamericana-Paquito de Rivera -Calle 54:
Se caracteriza por ritmos sincopados,ritmos bailables,una gran fiereza e infecciosos.
En comparación con el jazz americano, el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.
Panamericana-Paquito de Rivera -Calle 54:
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